120 battements par minute en streaming

drame historique de deux heures sur l’activisme gai à la fin des années 1980 et au début des années 1990 – avec sous-titres ! 120 Beats Per Minute du réalisateur et scénariste français Robin Campillo est aussi un opéra deep house, une histoire d’amour urgente et vaporeuse et un cri de guerre jubilatoire qui exige d’être vu. Centré sur le groupe militant Act Up-Paris, une ramification de la Coalition contre le sida pour libérer le pouvoir qui a débuté à New York en 1987, il sert d’instantané de ceux qui ont résisté aux premiers jours de la pandémie mondiale de la maladie. Le film vit sa « politique à la première personne », montrant comment Act Up a fait pression en faveur de la législation, de la recherche et du traitement pour les personnes atteintes du VIH/sida, tout en suivant une tendre romance entre deux de ses membres.

Campillo place le spectateur au milieu de la communauté Act Up, mettant en scène l’une des premières scènes lors d’une réunion d’introduction. Comme les nouvelles recrues, nous apprenons les principes d’organisation (et les règles) de l’intérieur. Tout juste sortis d’une manifestation, des membres portant de faux T-shirts éclaboussés de sang expliquent que – dans cette salle de conférence – la démocratie signifie la transparence. Il n’y aura pas d’applaudissements (il suffit de cliquer) pour ne pas étouffer ceux qui parlent, et tous les débats auront lieu dans la salle (les conversations privées et les bavardages dans le couloir sont interdits).

Les spectacles de Campillo sur la tension et les luttes intestines sont fascinants et édifiants. Ce n’est pas le souvenir teinté de rose d’un mouvement politique négligé, mais l’attraction du passé afflictif dans le présent. Et quoi de plus afflictif que l’amour ? Des enjeux personnels dramatiques sont présentés sous la forme d’un Sean (Nahuel Pérez Biscayart, qui vole la scène) et d’un Nathan (Arnaud Valois), un nouveau membre timide et beau et timide, qui est entraîné dans les orbites de l’un et de l’autre. Pourtant, Campillo prend soin de présenter la crise du sida à la fois comme une tragédie personnelle et comme une épidémie sociale.

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Avant d’organiser une manifestation au laboratoire de recherche Melton Pharm, où ils prévoient d’injecter du faux sang dans son personnel, des membres expérimentés du groupe disent aux débutants d’apporter de l’eau, des médicaments et des pièces d’identité au cas où ils seraient détenus – des détails pratiques qui créent le sentiment de protestation comme une action comportant des risques.

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Une vue à vol d’oiseau du groupe bordant les rues de Paris avec leurs corps – un défilé de cadavres – est découpée avec des images d’archives de la véritable mort en 1989, reliant Act Up-Paris à l’histoire de la résistance civile en France. C’est le grand don de Campillo : l’échelle de l’histoire explorée n’est jamais compromise, malgré l’intérêt croissant du film pour les relations intimes sur le terrain.

Sean brandit une pancarte qui dit « SILENCE = MORT ». Si le silence est la mort, l’immobilité l’est aussi : il s’agit d’un film en mouvement perpétuel. Campillo interjette fréquemment le bavardage du film avec des scènes de club qui entrent et sortent en fondu, capturant les gens s’embrassant, dansant et transpirant à bout portant sensuel.

Le montage se déplace avec fluidité entre la narration linéaire et la mémoire ; dans une scène réglée sur le titre What About This Love de M. Fingers en 1992, un baiser de terrain de jeu se transforme en une rêverie de club qui se transforme en une scène de sexe qui se transforme en une scène de transition dans la mémoire de la perte de virginité d’un personnage (également au moment de son infection). Dans une autre scène de club, la caméra capte les particules de poussière éclairées par des lumières stroboscopiques, qui dérivent et se transforment en images abstraites de cellules sanguines flottantes.

La conversation, la danse et le sexe sont tous présentés comme des formes essentielles et inséparables d’action directe.
Tout comme la structure non hiérarchique d’Act Up, la conversation, la danse et le sexe sont tous présentés comme des formes essentielles et inséparables d’action directe – et tous sont des éléments vitaux de l’ADN du film. Que ce soit dans les scènes où le groupe prend d’assaut les écoles secondaires pour distribuer des préservatifs et des tracts sur les MST, ou dans une branlette de lit d’hôpital offerte comme un acte d’amour, le film n’a pas peur du sexe.

Elle ne devrait pas l’être non plus. Des films classiques tels que Philadelphie (1993) et Dallas Buyers Club (2013) ont pris soin de traiter l’histoire solennelle de la crise du sida avec des gants d’hôpital, mais cette tendance au sérieux de bon goût encadre leurs voyages centraux comme une marche de la mort stoïque et sans sexe. Ce qui est révolutionnaire – et révélateur – à propos de ce film et de ses personnages, c’est la façon dont ils résistent à cette envie, réussissant à trouver des moments de fureur galvanisante et de joie extatique tout en étant sous l’emprise d’une maladie débilitante. La partition dissonante, fredonnante et house-inflected du musicien électronique Arnaud Rebotini – et les battements de cœur métronomiques qui soulignent l’action – rappellent que, même sur leur lit de mort, une personne a un pouls. Dans ses halètements mourants, le film saisit la vie.

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